AUTOR
RUBIO VARGAS BRAYAN JOSHUA
PRESENTADO
A PROFESORA PAREDES LASCANO ILIANA SABINA
UNIVERSIDAD
TECNOLOGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD
DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO
CARRERA:
ARQUITECTURA
HISTORIA
DEL ARTE II
QUITO
D.M
2015
TABLA DE CONTENIDOS
HAPPENING
1.- 18 HAPPENINGS EN 6 PARTES
Biografía del autor Allan Kaprow:
Nace un 23 de Agosto de
1997 y muere el 5 de abril del 2006, estudio arte en la universidad de nueva
york, obteniendo su licenciatura en
1949, continuo sus estudios en la escuela de bellas artes de Hans Hoffeman y
más tarde en la universidad de Columbia con el profesor Chapiro entre los años
de 1950 y 1952 .Artista estadounidense
pionero en el establecimiento de los
conceptos de performance, Allan Kaprow ayudo a desarrollar las instalaciones
artísticas a fines de los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor
de doscientos, fueron evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo
Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó “actividades, relacionando
íntimamente piezas para uno o varios jugadores y dedicados al examen de los
comportamientos y hábitos cotidianos de una manera casi indistinguible de la
vida ordinaria” (Cmbalia, 2006) . A su vez, su obra
influye en Fluxus, el arte de performance y la instalación artística. Estudió
composición con John Cage en su famosa clase en la new school for social
research, pintura con Hans Hofmann e historia del arte con Meyer Schapiro. Los
trabajos de Kaprow intentan integrar el arte y la vida. Kaprow abandona las
artes plásticas puras para investigar la realización de los eviroments y
happenings. Sus primeras obras pictóricas están bajo la influencia del
expresionismo abstracto, utilizaba distintos materiales como: periódico, paja y
madera. En 1965, el artista norteamericano centró su trabajo exclusivamente en
la realización de acciones, que a partir de 1968 denominó actividades, Kaprow
ha seguido representando sus acciones o actividades desde entonces, rompiendo
con las tradiciones artísticas establecidas y abriendo camino a una de las más
interesantes manifestaciones artísticas. Kaprow muere a los 78 años de edad en
la localidad de Encinitas (San Diego), según la prensa (Cmbalia, 2006) “Allan traspaso las
fronteras entre la vida y el arte”, según informo la prensa.
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
Lo realizo en la Galería Reuben en Nueva York,
durante el otoño de 1959, concentro su conocimiento como adiction painter con
su estudio sobre los eventos performáticos y anotados de John Cage, creó un
ambiente interactivo que manipuló al público, a un grado sin precedentes en el
arte del siglo veinte. El público obtuvo unos programas y tres cartas
engrapadas las mismas que proporcionaban
instrucciones para su participación.
La composición
consistía en un performance dividido en
seis partes, cada parte contiene tres happenings que ocurren al mismo tiempo.
El comienzo y el final de cada uno se señalan con una campanada y al final de la performance se escucharán dos campanadas.
No deben aplaudir en cada serie, pero
puedes aplaudir después de la sexta serie si así lo deseas. Estas instrucciones
también estipulaban cuándo los miembros del público se les requería cambiar de
asientos y moverse a los siguientes tres cuartos en los que estaba dividida la
galería. Estos cuartos estaban formados por unas sábanas de plástico
semitransparente, pintadas y con collages que hacían referencia a la obra
previa de Kaprow; por paneles en los cuales se pintaron palabras, y por hileras
de fruta de plástico, muchas de las obras de Kaprow se convertían en utilería,
a través de la cual operaba la visión del artista (MCN, 2014) .
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
La obra trata de
comunicar de manera física de interactuar con las personas les invita a participar y que puedan sentir el ambiente
en el que se desenvuelve la obra. En el arte la actividad participativa tiene
sentido, ya que en este caso Allan trato de manifestar su personalidad mucha de
esta personalidad lógicamente influenciada por lo que estaba pasando en esa
época es decir el arte contemporáneo como gran influyente. Para ver en si a más profundidad lo que trata
de describir la obra tenemos analizar que es el arte y que es el happening.
Arte es la manifestación socio cultural, que un emisor transmite a los demás
por medio de sus técnicas, en este caso el happening 18 happenings en 6 partes. Amas de que las
personas sientan. Allan nos trata de comunicar como fue su relación con la
historia del arte, con la formación que tuvo para ser pintor, poder manejar el
tiempo y el espacio. Pero el elemento principal en esta obra es la
participación del espectador, la experimentación de Allan estuvo grandemente
influenciada por Jhon Keys. La actividad participativa ocurren en muchos
lugares pero no nos damos cuenta estos lugares están igual relacionados con el
arte como galerías, conciertos, encuentros literarios, iglesias.
El fusiona todo esto y lo que hace es un término
que se podría considerar como un teatro experimental, tratar de demostrar algo
totalmente nuevo y diferente, sabiendo que llevar hacer algo nuevo puede
llevarlo a la ruina o a la fortuna. Si un artista se da cuenta al interactuar
uno maneja el espacio el tiempo lo que uno siente física y emocionalmente a lo
que actúa o interactúa con el medio. Para que todo esto se pueda entender debe
pensar como Allan en sus inicios (MCN, 2014) .
Análisis personal:
Mi análisis personal es
de que la forma tradicional con la que vemos el arte está más allá de nuestra
imaginación en el casi del happening es algo totalmente radical y muy
interesante. Se debe tener la mente abierta a lo nuevo. El contexto que comenzó
como experimental sirvió como ejemplo para demás happenings, a pesar de que
este happening fue considerado como un evento. Es la primera vez que se domina
a esta obra como un happening, toma conciencia de que ese algo nuevo le dio
forma y una guía para él y para los demás. Es la pieza más icónica de la época.
La participación del espectador es el elemento principal de todas las obras de
Allan Kaprow. El espacio y el sonido juntan todo y trata de llevarlos al mismo
nivel. Es el momento de efervescencia de extremo auge, los límites entre
teatro, música, danza estaba limitado, es decir nadie había tenido la idea de
que estos eventos o varios totalmente distintos de pueden juntar. Al final de
los años sesenta comenzó a cuestionar lo que el mismo había creado ya que luego
empezó a considerar los happenings como una activada denla que simplemente se interactúa. Poner sus conocimientos a servicio del arte utilizar el happening
como herramientas para cuestionar nuestro presente, la forma en la que él se
relaciona con los materiales con la que busca relacionarse, buscar cada uno en
lo que quiera profundizar hasta donde quiera llegar. Es la herramienta para
auto concientizar con nosotros y con los demás jamás olvidar la relación que
tenemos con el entorno que nos rodea reivindicar lo que los maestros de la
antigüedad de la historia del arte se pueda manifestar. La necesidad de lo que
no existe nos lleva a inventar nuevas formas de ver las cosas.
2. NOTHING FOR TODAY:
Biografía del autor Stuart Brisley:
Nace en 1933, artista
contemporáneo británico. Stuart Brilesy estudia en la escuela de arte de
Guildford alrededor de los años 1949-1954 y en el Royal College de arte en los
años de 1956-1959. En el año de 1956 al año de 1960 estudia en la Academia de
Artes Plásticas en Munich, Alemania, en 1960 a 1962 estudia en la universidad
estatal de Florida, en Thallahase Estados Unidos. En 1968 participo en la
ocupación del Hornsey College of Art por asuntos personales con la colaboración
de sus estudiantes, el "Hornsey plantón". En los años 1960 y 1970 él
era activo como artista de performance; sus obras se inspiraron en las ideas
políticas marxistas, y con frecuencia utilizan duración extendida como un
aspecto de la actuación. En la década de 1980 se volvió a la escultura y la instalación
de arte. Después de una larga carrera académica, Brisley es Profesor Emérito de la Slade
School of Fine Art. Es considerado como
uno de los exponentes más importantes del Happening. Uno de los
pilares más importantes en el movimiento
artístico de Inglaterra, es el artista y
escultor británico Stuart Brisley quien estudió arte en cuatro diferentes
escuelas europeas y americanas anteriormente mencionadas. Este artista tenía
fuertes ideologías apegadas principalmente al marxismo, el adopto el happening
como una forma de expresar su ideales políticos mediante la directa interacción
del artista y el público. La mayoría de sus obras tiene un significado profundo
en el cal se expone el capitalismo como una morbosidad ya que le lo veía de
esta forma (Brisley,
2015) .
Su obra cumbre se
titula AND NOTHING FOR TODAY que en español quiere decir Y POR HOY NADA. Al
momento de llevar a cabo su obra, Stuart Brisley lleno una bañera con agua de
tripas de animales muertos, se metió dentro de la bañera y permaneció inmóvil.
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
Durante las dos semanas
en el despojo, las moscas volaban para
poner huevos y gusanos para incubar a alimentar. Había una luz baja en
el baño, así que era difícil ver exactamente lo que estaba allí. La puerta
estaba entreabierta. El único signo de movimiento era la de un cuerpo sube y
baja en el agua cuando la respiración dentro y fuera. El hedor de despojos era
insoportable. Estéticamente demuestra lo que quiere decir, todo está
perfectamente pensado y elaborado. Es claro que utiliza la técnica de la
tridimensionalidad, el modelado, inclusive el video porque hay un video a
blanco y negro y a color sobre este tema. La técnica de la expresión del cuerpo
la forma en la que se desvuelve la forma en la que se sumerge y sale a flote de
la bañera la manera con la que juega con la suciedad (Arte y Cultura, 2012) .
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
La obra trata de
decirnos sobre la forma en la que las personas fueron tratadas en los campos de
concentración en la segunda guerra mundial por los nazis. Para ser más directos
sobre la muerte. Si uno regresa en el tiempo o vuelve a leer o escucha sobre
las personas que tuvieron que pasar todo eso debido a que una persona se le
ocurrió decir que su raza era única y que la que no fuera como ellos era
discriminada o simplemente no la consideran como humanos como personas y se
diera el lujo de cometer atrocidades más allá de lo que uno pueda pensar, sin duda
trataríamos de exponerlo como Stuart Britsley,
pero no trata solamente de decirnos este aspecto sino que nos trata de
decir además la forma en la que ve la muerte como algo repugnante, y al que
todas las personas vamos a llegar.
La obra trata de que sintamos esos olores de
la carne en descomposición, la forma en la que se sumerge en la bañera en esa
agua. La desesperación de que al morir nos quedaremos sin aire, las moscas y
los gusanos al que nuestros cuerpos en el momento final nos devoraran y pondrán
sus huevos en nuestra carne descompuesta, el fuerte valor visual que utiliza
sin duda no necesitaría muchas palabras para describir su trabajo, la bañera
que simula quías una ataúd el espacio tan pequeño en el que nuestro cuerpo será
depositado, también la forma en la que se lleva a la muerte porque muchas
muertes no pueden parecer tan feas y violentas emula el trato de estas personas
crueles para poder llevar acabo un asesinato una muerte trágica. Las muertes de
personas inconscientes que nos lleve a concientizar sobre la forma de ver a la
gente que no todos debemos ver o parecer iguales la diferencia es lo que nos
hace únicos. (Brisley, 2015)
Análisis personal:
Mi análisis personal es
que la vida es efímera y es lo que nos trata de decir el autor de esta obra, la
muerte es nauseabunda la forma en la que los cuerpos se descomponen el olor de
la carne muerte sin duda solo viendo el video y fotos de su creación uno siente
imagina esos olores rondando. La forma en la que las personas tratan a otras en
este mundo capitalista, lleno de violencia, además de las duras etapas a las
cuales las sociedades han sido probadas como las guerras y las muertes de
personas inocentes. Quizás la muerte no sea tan fea como lo representa pero la
muerte espiritual si porque no pensar en eso también en que quizás ese tipo de
muerte sea la más fea, porque llevar una vida normal si algunos ya están
muertos por dentro. Como la profesora os menciono muchas de estas obras de
happening terminan en la muerte debido a que los aristas utilizan medios muy
complejos para tratar de decir lo que sienten y piensan en esta obra estar
sumergido por dos horas es demasiado para el cuerpo además claro del sinnúmero
de baterías moscos y gusanos con los que estuvo en contacto, nos lleva a pensar
que es un entorno muy poco saludable para la persona que está desenvolviendo.
Pero esas son las cosas que la vida nos da y nos ayuda a reflexionar quizás
también esto nos lleve a pensar que debemos vivir en paz con los demás porque
uno nunca sabe si los volverá a ver ya sé porque la muerte le llegue primero a
esa persona o quizás a nosotros, sentirnos que estamos en paz para que por lo
menos eso amortigüe lo que se nos vendrá encima quizás todo eso no sea tan
repugnante si la vida se ha llevado bien.
3.- DESNUDOS DE MUJERES EN MEXICO:
Biografía del autor Spencer Tunick:
Nace un 1 de enero de
1967 Estados Unidos en Middletown en el condado de Orange de Nueva York en el seno
de una familia judía. Es un refutado fotógrafo estadounidense de origen judío
cuya especialidad es fotografiar grandes concentraciones de personas desnudas con
fines artísticos. Obtuvo una titulación
en Ciencias por el Emerson College en el
año de 1988 y ha recorrido Europa y América en pro de su arte escénico. Tunick
en 1986, viajó a Londres donde tomó fotografías de desnudos en un paradero de
autobuses a los montones de desnudos en Alleyn's School en el salón inferior en
Dulwich, en el Municipio de Southwark. Posteriormente obtuvo un Bachelor of
Arts de parte del Emerson College en 1988.
Cabe recalcar que el Bachelor of Arts es una titulación más difundida en
las carreras de letras, bellas artes y humanidades, es decir de instituciones superiores cuya enseñanza se
basa originalmente en las letras,
mientras que el Bachelor of Science se otorga en carreras técnicas. Su obra más
reciente fue llevada a cabo en Guanajuato, México en un paraje, a este evento
asistieron alrededor de 150 personas, las cuales se desnudaron y se cubrieron
con sábanas blancas para después caminar por un paraje con senderos, bajo la
lluvia estas sábanas se transparentaron y fue ahí cuando Spencer Tunick
fotografío lo ocurrido. Empezó a fotografiar personas desnudas en el año 1992 por las calles de Nueva York. Sus fotos
rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros
estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados
desnudos) (Wikipedia, 2015) .
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
La estética a que
utiliza como inspiración son los cuerpos desnudos. Técnicas de visualización de
cómo va a mover toda esa cantidad de personas en un entorno para poder expresar
lo que piensa. Técnicas de fotografiado la forma en la que usa la cámara la
forma en la que él ve sus desnudos es una técnica también porque no todos la
aplicamos para poder entender, la forma en la que relata un problema que sufre
la sociedad a través de sus fotografías,
la forma en la que trata de decirnos utilizando lo bello del arte en sus
capturas. (Publimetro, 2015)
Porque lo vano para el
no existe, utiliza la abstracción de lo que no podemos ver pero si podemos
sentir en nuestros sentimiento o emociones. Utiliza las técnicas que utiliza un
pintor salvo que el pintor usa el plano bidimensional y la usa el plano
tridimensional. Como todo pintor se vale de un medio físico para plasmar lo que
él considera arte como la forma en la que captura los desnudos. Estética de
desnudos estética de cosmovisión. Debido a que no hay canon existe la belleza
individual y colectiva de como queramos ver las cosas (Birlanga, 2015) .
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
Trata de decirnos que
el hombre exponga lo que su alma quiere decir es por eso que se deben desnudar
el termino desnudar es descubrir, quitar ese velo que no nos permite ver más
allá, abstraer el entorno en el cual se captan las fotografías es decir que el
entorno nos dice porque y quienes deben descubrirse, en este caso es un entorno
urbano, el típico entorno al que todos estamos acostumbrados a vivir (Publimetro, 2015) .
Análisis personal:
Fácilmente se puede
deducir que la obra trata de explicar la problemática de la sociedad atreves de
los desnudos que vendrían a ser como la desmaterialización y la visualización
de lo abstracto. Que el cuerpo es lo que el alma trata de expresar, también hay
que analizar en la obra que las mujeres están en ambiente urbano el entorno, es
decir que representa la manera en la que se desarrolla nuestra vida igual en un
ambiente de ciudad, urbano, la diferencia es que el desnudo se abre a todo él
pública y la gente lo que nos invita a
la autocrítica. Lo que trata de hacer es de humanizar a las personas que puedan
reflexionar sobre sí mismos, el afirma que el cuerpo es paisaje a diferencia de
lo que nosotros consideramos como imágenes urbanos normalmente a una iglesia,
un edificio, una casa el considera al cuerpo humano dentro de este rango de
acción. Reflexiona sobre nuestros espacios de hacer lo íntimo público de hacer
que lo interno se pueda exteriorizar. Liberarnos de las ataduras y de los
prejuicios que las personas tenemos en la ciudad. Expresar lo que es la vida sin
idealizar, que podamos abstraer la idea de una emoción eso sintetizaría lo que
trata de decirnos con su forma de ver un desnudo, los desnudos representan la
vida y los problemas que se presentan en esta. El cambia lo que es el concepto
de fotografía hace suya esa idea, rompe con la ambigüedad, con esas idas de que
la fotografía simplemente es lo que captura la cámara y sale en una plancha de
metal, no él se arriesga y plasma lo que él considera arte y para los que
estudian puedan ser críticos. De que podamos fusionar el desnudo con el entorno
que nos rodea como resultado el arte.
BODY ART
1.- ALIEN:
Biografía del autor Fiorella Scatena:
Nacida en Pisa en 1984,
vive en la Toscana, pero es conocida en toda Italia y en el extranjero. Ella
trabaja como maquilladora para numerosos fotógrafos y clientes privados y ha
estado trabajando como body painter en clubes de moda y programas de
televisión, ferias y exposiciones internacionales. Su mayor reto fue en 2008 el
Festival Austria "World Bodypainting”, el evento más importante: ganó en
contra de los más grandes artistas del mundo. Pintura y maquillaje siempre han
sido sus pasiones más fuertes; ella realizo su primera Bodypainting en el año 2006 y muy pronto empezó a participar en varios concursos, haciéndose
de dos victorias y tres medallas de
plata tras terminar como finalista en el evento de body painting en Italia por
tres años consecutivos, y ganando el Premio del público en el "Body art
Europea Concurso "por Einat Dan. Con 23 años de edad gano el campeonato del mundo
en el evento Fiorella Scatena, llevando
a su país a lo más alto en la categoría de efectos especiales. Durante el mismo
año, se ha convertido en campeón italiano que ganó el título de "pintor de
Oro" en el Festival de Bodypainting italiano. Desde el año 2009, Fiorella ha llamado a ser uno de
los jueces del "Festival de Body painting italiano" y desde 2010
también se ha convertido en directora artística del evento, junto con dos
artistas de su equipo "Color Sensation":
Flavio Bosco y Elena Tagliapietra. En el año
2011 Fiorella participa de nuevo en el "World Body painting
Festival", en la categoría de efectos especiales, obteniendo el tercer
lugar. En el "World Bodypainting Festival 2012", que califica al
segundo lugar en los preliminares de la categoría "Efectos
especiales" con su "ALIEN y GIGER Tribute", y durante la final
obtuvo un cuarto lugar, con una puntuación única tres puntos menos que el
tercero cualificado. Fiorella ha sido seleccionado entre los 30 artistas
destacados en el nuevo libro de campeones del mundo “Campeón en el corazón
"por Karala B Wallace (Wikipedia, 2015) .
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
Se realizó en el
concurso de World BodyPainting Festival 2012, Portschach (Austria), utilizo
como modelos a Sabrina Cereseto y Simone Pasquini. Además trabajo conjuntamente
con Giusy Campolungo también artista conocido en esta rama del body art. Hay
que elegir a una modelo o lienzo que se preste para la realización del maquilla
una técnica en particular y lo que le hace especial a esta artista es el
realismo con la que trata de expresar sus obras de arte, ese realismo que ala
ves le brinda lo estético, cada contorno, cada línea pintada debe estar
predispuesta a expresar lo más real posible hacia nuestro entorno. La
composición es de una película de ficción de alien vs depredador, este caso
ella escoge al alien como su punto de partida y modelo para poder crear un body
art asumiendo esta temática.
Su técnica da un toque
de oscuridad de tétrico y sorprendente que las personas puedan fusionar
visualmente al mismo nivel de color y contraste con el que ella elaboro el
diseño. Originalmente se sabe que para poder hacer un body art. Utilizo
técnicas de cepillo body painting y esponja, el proceso de pintado primero que
la modelo no tenga heridas o irritaciones sobre la piel, que no tenga
cicatrices resientes, ella pinta de acuerdo al color y a la fisonomía del animal
por eso escoge una escala de grises y tonalidades oscuras. Se caracteriza por
atmósferas oscuras y misteriosas inconfundibles, entre el surrealismo y el
erotismo, donde sus criaturas aparecen encantador y grotesco, en constante
debate entre la sensualidad y el horror. Sus creaciones están contaminados por
un amor por el arte macabro y surrealista, inspirado en las visiones oníricas
de Hans Ruedi Giger y figuras provocativas de Michael Hussar, artistas que ella
ha hecho homenaje con sus obras (Fiorella Seatena, 2015) .
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
La obra nos trata de
demostrar la oscuridad y lo terrorífico que esto contiene , bueno para algunas personas que no
hayan visto la película de alien vs depredador estarán confundidos de que ella
saco la idea de ese monstruo con la chica pero no, en la obra ella fusiona a
los dos como camuflándolos que los dos se puedan hacer uno, la modelo
representa igual aun alien la forma que lleva el cabello con los adornos sus
ojos grises nos dan clara muestra de que representa a una mujer alienígena que
está vinculada directamente con ese monstruo traído del cine , demuestra miedo
a lo desconocido, a lo terrorífico que puede llegar a parecer este monstruo
alien fusionando con las bellas y delicadas curvas de la modelo sintetizando la
idea de que ambos pueden llegar hacer uno representa la oscuridad del alien
porque la chica también escupe sangre de una de sus víctimas trata de demostrar
que este personaje del cine con su arte lo puede hacer real, de que lo que se
vio en el cine las personas que estaban presentes en el concurso sientan el
papel protagónico de como seria estar junto a una de estas criaturas (Alejos, 2013) .
Si bien esta obra nos
trata de demostrar todo lo interiormente descrito bien elegido el detalle
artístico personal que lo hace cada uno
.nos trata de demostrar que lo que es ficción se puede hacer real mediante el uso
de su arte que se pueda manifestar cosas más allá de nuestra imaginación y que
solo pueden verse mediante la creación de efectos especiales ella si usa bien
los efectos visuales a su favor fusiona dos personaje dentro de la misma línea
de acción, porque si ambos fueran de diferentes ideas se vería sumamente
afectada lo que su arte trata de representar.
Análisis personal:
Que cada artista de
body Paint tiene su marca aunque como dice en una parte de su biografía ella
también se inspira en otros artistas y usa la misma temática pero a su manera,
como Michael Hussar ella adopta sus ideas de oscuridad y de miedo para poder
pintar sobre un cuerpo como lienzo. Le encanta usar colores oscuros que puedan
difuminar si es preciso con el entorno en la que se va desarrollando la
exposición. Aparte del alien ella tiene otras obras según con lo que leí una
empresa automovilística Mazda trataba de vender un nievo modelo y decidieron
contratar a esta artista para que pueda hacer publicidad para su compañía, ella
gustosa se ofreció y lo que hizo fue asombroso pinto a una modelo con los
mismos colores del auto en la misma escala de tonalidades, cosa que parecían un
solo objeto lo que ella hace es captar la impresión de las personas a primera
vista, que puedan apreciar las delicadas curvas de una modelo posando con un
automóvil nuevo. Esta ventaja del body art de que se puede fusionar elementes
mediante el uso de la pintura, que los artistas puedan tener esa libertad de
plasmar una temática y a la vez hacer un negocio con el que puedan subsistir,
que hay tantas compañías y compañías tan grandes que puedan a llegar a
necesitar de estas habilidades para lanzar sus productos al mercado y es esto
prácticamente a lo que se dedica esta artista muy bien aprovechado el mercado y
el uso sin igual de su arte. Es muy difícil pintar sobre un cuerpo humano ya
que se debe tener precisión y un amplio conocimiento de técnicas con las que se
pueda valer para defender lo que piensa y siente. Las personas debemos valorar
el trabajo que hace cada artista.
2.- TRANSIT:
Biografía del autor Alexa Meade:
Nacida en 1986 en Washington, DC, es un
artista estadounidense conocida por sus retratos pintados en el cuerpo humano.
Se graduó en 2009 de Vassar College en Poughkeepsie, Nueva York con una
licenciatura en ciencias políticas.
Meade nunca asistió a la escuela de arte y ella misma empezó a enseñar y
aprender. En una entrevista con (Farsora, 2015) declaró "No hay
que pensar en la pintura como esta cosa sobre lienzo, porque yo no tenía
ninguna práctica de hacer eso”, ella ve a la pintura como algo que se puede
utilizar en el espacio. Ella decidió
convertirse en artista profesional en 2009. Ella toma un concepto clásico trompe l'oeil, es decir el arte de poder representar la bidimensional
la mirada tridimensional y elaborarla
en una dirección opuesta. Su objetivo es
hacer lo opuesto, hacer que sus modelos que están vivos en imágenes planas, como resultado es hablar ilusiones ópticas,
pinturas que confunden en tres dimensiones cómo el ojo procesa los objetos en el espacio.
El trabajo de esta singular artista ha sido exhibido en galerías de Washington,
Londres y Nueva York, así como en famosas .Lo tridimensional puede ser abordado desde varios
ángulos y todavía parece ser una pintura
plana a través de la lente de la cámara, sin la excusa de Photoshop o de
efectos digitales. Su experiencia en comunicación política fomentó un interés
de explorar esta arte, la capacidad para interactuar con la gente. No es la
capa básica que ha sido responsable de gran parte del éxito viral de su
trabajo. Dentro del mundo del arte se ha reconocido como un salto innovador en
el retrato al fusionar el tema con su descripción y la modificación de los
códigos para los espacios de representación dentro del plano del cuadro (Wikipedia, 2015) .
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
La obra de arte
del the transit fue elaborado en el
metro de Washington, la técnica que utiliza la artista es la de brocha en body
art, igual la técnica que utiliza elegir un modelo sin heridas ni piel
irritada, la técnica que ella usa es el modelado en dos dimensiones sobre
superficie, es decir que los objetos tridimensionales son manipulados por
ciertos procesos hasta poder modelar algo abstracto en dos dimensiones como
ejemplo en the transit se puede ver que se eligió a un modelo masculino,
¿porque eligió la técnica de pincel? Porque con esta técnica se permite un
mejor rallando de espacios al igual que bordear espacios y figuras, eso brinda
un detalle más realista sobre lo que se está pintando, utiliza una pintura
adecuada ya que hay diferentes tipos de pintura corporal, en este caso es de
con ayuda de ciertas ilusiones ópticas generadas por luces y sombras que
engañan al ojo humano. Estéticamente hace agradable al ojo humano desmoliéndose
en unos entornos por lo generalmente
pequeños como cuartos. Utiliza colores solidos ya que estos son los más
recomendables para usar con brochas y pinceles. Ella usa técnicas inversas de
que lo que está pintado se ve en nuestro entorno (Alejos, 2013) .
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
Ella trata de
conceptualizar lo que son las obras de artes vivientes imaginarse que una
pintura cobra vida en nuestro entorno. En este caso vendría a hacer como que la
obra de arte toma vida y decide dirigirse
a la estaciones de trenes para tomar el metro. Eso es lo que ella trata
de expresar que en la vida cotidiana sería algo increíble si veríamos a muchas obras
de arte que salieran del lienzo y decidieran compartir nuestros entornos juntos (Baron, 2013) .
Para ello esto se puede
demostrar en lienzos humanos aparte del body art esto es también un linving
art. No hay límites para la imaginación, un hombre mayor es lo que representa
con una vestimenta tradicional de un hombre americano de ciudad, chaqueta,
gorra roja, una camiseta con un claro estampado de la bandera de los estados
unidos de Norteamérica, además de que es lógico si se ponen a pensar de que el
metro es el sistema de movilización más rápido, económico y efectivo en ese
país representa el diario vivir de las
personas en esa ciudad que no será por más de nada ilógico pensar que ni una
obra de arte así cobrara vida se podría salvar a este siete de vida al que
todas las personas y están acostumbradas.
El entorno al que el hombre citadino siempre está expuesto además de
siempre a cualquier r sitio que se dirija siempre habrá grandes concentraciones
de personas, estos lugares pueden ser metros, parques, aeropuertos en donde el
arte pueda hablar por sí solo (Alejos, 2013) .
Análisis personal:
Que su arte de mostrar
todo al revés es muy interesante ya que sería extraordinario que muchas obras
de arte cobraran vida y convivieran en nuestro entorno aunque es algo que ella
trata de hacerlo posible mediante el uso de sus técnicas y conocimientos en lo que
es el body art. Lo desconocido siempre
será lo que más incentive a que nuevos artistas busquen su toque de
originalidad y a que se desenvuelvan de diferentes formas en este gran campo de
lo que el arte. Que las técnicas que tienen cada uno hace una gran diferencia
en este caso Alexa se distingue por la manera tan precisa y delicada con la que
elabora sus obras de arte, no cualquiera tiene la paciencia para pintar todo el
cuerpo de otra persona y exhibirla en los entornos de nuestro diario vivir todo
es gasto, movilización de personas y la aplicación de todo lo que ha aprendido
con el toque de experiencia. En este caso ella primero piensa en una figura de
bidimensional para adaptarla al nuestro plano tridimensional así como otros
body arts que usan lo desconocido y tétrico. Se podría decir que su arte es
única y original, la vida es lo que es y hay que adaptarse e los continuos
cambios que conlleva esta, estos cambios son los grandes influyentes de lo que
es el arte y llega a los nuevas generaciones de artistas, porque todo cambia,
evoluciona y se adapta eso es lo que marca una sociedad critica, más el arte es
algo que siempre estará en continuo cambio ahora con la tecnología quien sabes
y se inventen nuevas cosas que origine nuevas formas de crear y ver el arte.
3. BENDITO:
Biografía del autor
Craig Tracy:
Nacido y criado en
Nueva Orleans, EE.UU, donde sigue viviendo actualmente. Se graduó en el Instituto de Arte de Fort Lauderdale, y
a los veinte años Craig era un ilustrador freelance profesional, freelance
significa que el mismo era su jefe es decir trabajaba para él. Durante este tiempo fue sobre todo ilustrador
para agencias de publicidad y casas editoriales a pesar de eso el ya no quería
ese tipo de trabajo, por ello unos años
después dejó la ilustración para aventurarse a la pintura en mural, diseños
para camisetas y casi cualquier tipo de superficie, todo esto le sería muy
fácil ya que tenía a la experiencia como su mejor aliada (Wikipedia, 2015) .
Este cambio le supuso
la libertad que necesitaba para realizar lo que realmente quería, inició
pintando en diversas superficies, hasta comenzar a pintar sobre caras y cuerpos
enteros, algo con lo que se sintió muy cómodo. Tanto interés tenia que el mismo
investigaba y practicaba hasta llegar a
realizar estas impresionantes obras en las que en las que se fusionan el body
painting y la ilusión óptica. Él siguió ampliando sus horizontes
artísticos y en su adolescencia a los
quince recibió su primer aerógrafo como un regalo de sus padres. La aerografía
se convertiría en la técnica que dominaría sus próximos veinte años de pintura.
Un año más tarde, a los dieciséis años, en su tercer año en la escuela
secundaria, Craig estaba noches y fines de semana trabajando como artista del
aerógrafo en un centro comercial local. Allí pintó principalmente camisetas
personalizadas y otros artículos de regalo personalizados. Fue un momento
importante para el joven artista ya que rápidamente aprendió a pintar casi
cualquier imagen de una vasta multitud de superficies. "Lo que sea, en
cualquier cosa, era lo que esos días hacía”. A menudo pinto entre cincuenta a
ochenta horas a la semana y al hacerlo “ha aprendido algunas habilidades muy
importantes y útiles" (Piruja, 2013,p1).
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
Esta obra fue realizada
en Nueva Orleands, se usó una técnica De body art con aerógrafo. Esta técnica
es muy diferente a las técnicas con esponja y brocha, ya que es con la ayuda de
un compresor de aire con la que se realiza el pintado. Se lo realiza en un
entorno pequeño para que se pueda dirigir con mayor claridad lo que se trata de
explicar. La obra está compuesta por tres manos pintadas juntas entre sí. Para poder pintar con un compresor de aire
hay que usar diferentes tipos de técnicas en este caso un aerógrafo de
compresión doble el más usual y el más popularmente usado por artistas, tiene
un gatillo que regula la alimentación de aire y pintura. Se debe tener un gran controlo sobre l mano
para poder realizar el pintado con esta técnica. Además de que esta técnica
permite trazados más finos y continuos y claro que con el regulador se puede
dar la tonalidad y grosor de líneas que queramos (Piruja, 2013,p2).
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
El artista trata de
decirnos que una familia es una bendición que cada uno de los miembros que
integra una familia es muy importante. Se puede deducir que en l obra está la
mano de un bebe por ende también deduce que la llegada de un hijo es una
bendición (Piruja, 2013) .
Análisis personal:
A diferencia de los dos
artistas anteriormente mencionados en el campo del body art este es totalmente
diferente en ideas, concepto y técnica ya que utiliza la tecnología como su
aliada. Es decir se puede crear una nueva forma de hacer arte usando los medios
de la época que estén a nuestro alcance, Tracy adquirió muchísima experiencia
pintando cuando era adolescente además de que le fascinaba lo que hacía de echo
hasta la actualidad por eso ha destacado en este campo, es un genio diestro, el
hecho de que hagas lo que te gusta te hace destacar entre los demás
competidores, porque eso es lo que te motiva y te lleva a un continuo
crecimiento a nivel persona, espiritual y social. A mi parecer es el mejor en
este campo a diferencia de los dos porque hace obras más claras, utiliza
colores muy vivos me siento muy identificado con él porque en cierta forma me
gustan los colores vivos fuertes que señalen alegría. Las ideas que comparte
son extraordinarias amar la naturaleza,
amar la familia amar nuestro planeta es lo que le identifica y da su toque en
cada obra que realiza.
PERFORMANCE
1.- REINO DE
PUTAS:
Biografía del autor
Roció Boliver:
Rocío Boliver nació en
México D.F 1956, su madre era una refugiada española y su
padre un pintor y muralista mexicano. Practicaba la danza y se dedicó a
estudiar filosofía e idiomas, empezó a desarrollar un gusto especial por la
lectura. Estuvo enferma durante un tiempo, se dedicó a trabajar en un medio de
comunicación y como modelo de ropa interior. Fue en el año de 1992 en el cual
ingreso en el mundo del performance y a practicarlo. Se inspiraba mucho en
textos porno eróticos. Otra de su
performances que lograron llamar la atención es la llamada “La reina de las
putas”, así como también otro performance llamado “cierre las piernas”. En el
2002 saco un libro titulado “saber escoger”, este libro está clasificado con alto
contenido erótico según ella explica tiene muchas de sus propias experiencias
echas anécdotas. También escoge escenarios políticos para manifestar su pesar, como ejemplo lo que hizo con una foto en ese
entonces pre candidato mexicano y ahora presidente constitucional del estado de
México, otra de sus famosas obras es la “congelada de la uva”, como es de saber
ella utiliza medios gráficos expresivos muy cargados con contenidos eróticos en
este caso se masturbo en una barra congelada de ese sabor a uva. Ha realizado actuaciones en España, Suiza,
Estados Unidos, entre otros países.7 También dicta talleres donde enseña y
difunde el performance, en el marco del Programa de Retribución Social del
Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. “En esta sociedad pasteuriza,
prefiero provocar repugnancia, odio, rechazo, desconcierto, hartazgo, angustia,
hostilidad, miedo... que seguir fomentando la asepsia mental” Roció Boliver. En los últimos siete años ha
impartido talleres de performance en espacios culturales de Lisboa, Barcelona,
Nueva York y Ciudad de México (Wikipedia, 2015) .
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
México D.F, Amarrada a
una rueda cristiana la llevan girando hasta el centro del espacio, la
desamarran y pinta en un letrero sobre
la cruz cristiana reina de las putas, la vuelven a amarran desde los pies a la cabeza con alambre
de púas. Con unas pinzas va cortando el alambre hasta poder salir. Se cortó la
ropa que llevo con un cutre hasta quedar desnuda se envuelve en telas de
colores y bailo salsa y hago señales obscenas con la mano hacia la cruz,
técnica corporal, técnicas de actuación para poder desenvolverse en ese entorno
tan bizarro (Meza, 2015) .
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
Trata de hablarnos sobre la contra
sexualidad, de mostrar que la iglesia
tiene poder, es un poder punzante que marca nuestra forma de creer las cosas. También
son experiencias propias de ella que trata de contarnos, pero claro todo envuelto
en una atmosfera como es el performance (Meza, 2015) .
Análisis personal:
Para mí que es la primera vez que veo cosas
así y que sea considerado como arte es totalmente nuevo, me deja mucho que
pensar porque como poco analizador de lo que es el arte me podrían decir con
toda ley del caso que soy un ignorante en el tema, porque pienso igual que los
demás que está loca que como eso puede ser considerado arte, pero investigando
y con lo que he leído poco sobre este tema se puede decir que ella usa su
cuerpo sin tabús, como un lienzo que usa el artista para transmitir su mensaje así
lo hace ella pero con su cuerpo totalmente diferente a los que vimos del body
art aunque es muy parecido al happening porque ambas se desenvuelven en un
entorno en que siempre se está en contacto con las personas algo así como una
obra de teatro cien por ciento bizarra.
2.- TRANSFIGURACIONES:
Biografía del autor Olivier de Sagazan:
Olivier de Sagazan es
un artista nacido en 1959 en Brazzaville República del Congo. Es pintor,
escultor, y artista francés. Actualmente reside en Saint-Nazaire, Francia.
Durante más de 20 años Sagazan ha desarrollado una práctica que combina lo que
él ha aprendido y en lo que se ha dedicado a estudiar e investigar como la pintura, fotografía, escultura y performance,
de esta forma puede crear escalofriantes
personajes envueltos en metales y arcilla, fundidos en una extraña simbiosis
apocalíptica con gestos desgarradores. Sus pinturas y esculturas logran generar
un gran impacto visual que lo que buscan es reflejar un mundo de caos y
sufrimiento el cual nos adentra a las más terribles de las pesadillas. En el
2001 empezaría con una serie de performances en donde el construye con capas de arcilla y pintura usando
todo su cuerpo para transformar y
desarmar su propia figura, revelando un animal humano que está tratando de
romper con el mundo físico. Alexandre Degardín ha dirigido algunos documentales
estos documentales se los mencionara a continuación: el barco de locos que se
estrenó en el año del 2015, participa en una película llamada Desencarnado
producida por Harald Kloser y dirigida por Mario Sorrenti, esta película sería
considerada como fantástica. La obra de Olivier de Sagazan ha sido objeto de
exposiciones en el ámbito nacional de Alencon, la escena nacional en Cergy
Pontoise Apostrophe al Museo de Bellas Artes Denys-Puech de Rodez y Galería Vitoux en París. También hace videos y tiene una
página en Facebook donde se pueden apreciar algunas de sus creaciones como “la
Barbie y el cuervo”, “el monstruo del pantano”, etc (wikipedia, 2015) .
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
Muchas de sus obras se
realizan y se exponen en varios lugares del planeta, como, Brasil, la india,
estados unidos, etc. Describiré la técnica que usa para realizar sus
performance y sus esculturas porque él es artista y artesano y usa lo macabro
como fuente de inspiración. En este caso de transfiguraciones usa técnicas como
usar su cuerpo para poder transformar y poco a poco ir revelando como la figura
humana va adquiriendo varias formas de animales o personas que son fuera de
este mundo, es decir usa la técnica del cuerpo del arte que cumple la función
de toda obra artística captar los colores en este caso lo oscuro y el
convertirse en un lienzo viviente. Así él captura lo del videoarte y el
performance y lo fusionar y así provocar una sensación que hace su propia conciencia. Usa lo perturbados para
hacerlo encantador (Campuzanu, 2013,p1).
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
Demostrar que el cuerpo
puede ser utilizado como una obra de arte, mostrarlo oscuro lo visceral, seres
macabros, En esencia mi trabajo es un himno a la vida, un intento de comprender
lo que significa estar vivo”, revela el artista quien utiliza su propio cuerpo
como un elemento esencial para expresar su angustia y fascinación con el peso
de vivir. Oliver Zagozan (Campuzanu, 2013,p5).
Análisis personal:
A mí me llama mucho la
atención lo que es el arte oscuro, es fascinante enigmático y encantador,
porque para algunas personas puede ser raro o loco, pero en lo personal veo
belleza en lo triste, en lo macabro, porque puedo pensar que la vida es efímera
y es justamente eso lo que los artistas en este campo tratan de mostrar, al
contrario de la artista que mencionamos anteriormente Rocio, ella puede ser
para personas que tengan en su criterio que lo sexual es arte. A mi parecer es
un trabajo muy llamativo y poco común, usar técnicas de ideo y lenguaje
corporal arcillas, pinturas, para poder transfigurar la forma humana. Además de que también vende esculturas muy
tétricas que fusiona inclusive la taxidermia porque en algunas usa animales
muertos. Es un artista completo poco común. Igual que los anteriores casos usa
su cuerpo como el medio para transmitir su mensaje, las personas que quieren
ser diferentes hacen lo que sea por ser diferentes a las demás y transcender
eso es lo que les hace únicos en lo que hacen así como en este caso.
3.- 24 HOUR PSYCHO:
Biografía del autor Douglas Gordon:
Nacido el 20 de
septiembre 1966 nació en Glasgow y creció en Dumbarton, es un artista escocés que ganó el Premio
Turner en 1996 y al año siguiente representó a Gran Bretaña en la Bienal de
Venecia. Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Fue alumno en Dumbarton Academia
entre el año 1978 y 1983, estudió arte
en la Escuela de Arte de Glasgow y más tarde en la Slade School of Fine Art,
University College de Londres. Gordon reutiliza la mayor cantidad de la
película en sus fotografías y vídeos. Uno de sus más conocidas obras de arte es
24 Hour Psycho que fue creada en el año de 1993, que ralentiza Alfred
Hitchcocks película Psycho para que dure veinticuatro horas. En entre la
oscuridad y la luz 1997, de William Friedkin
Exorcist 1973 y Henry King. La
canción de Bernadette 1943 dos películas sobre adolescentes conducidos por
fuerzas externas. En 2008, Gordon fue miembro del Jurado Oficial del Concurso
en el 65o Festival Internacional de Cine de Venecia. En 2010, Gordon colaboró
con Rufus Wainwright, la creación de las imágenes de su gira que acompañan.
En 2011 Phantom que es otra colaboración
con Wainwright, Gordon emplea película en cámara lenta producida con una alta
velocidad de la cámara. Sus exposiciones más importantes: Primera exposición
individual de Gordon fue en 1986,
en 1993expuso 24 Hour Psycho en
los espacios de Tranvía, Glasgow. En 1996, Gordon fue uno de los artistas
invitados a escultura Projekte y en 1997 representó a Gran Bretaña en la Bienal
de Venecia. Su obra fue objeto de una retrospectiva 2001 organizado por el
Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, que viajó a la Galería de Arte de
Vancouver. En 2005, formó una exposición en Berlín llama "La vanidad de la
alegoría, en 2006, Douglas Gordon Superhumanatural abrió en las Galerías
Nacionales de Escocia siendo la primera gran exposición individual de Gordon en
Escocia desde que presentó 24 Hour Psycho en 1993. También en 2006, hubo una
exposición de su en el Museo de Arte Moderno llamada "línea de
tiempo" (Taringa, 2013) .
¿Dónde lo realizo, técnica, composición?:
Esta obra se llevó a
cabo en el reino unido, la obra trata de un video en donde ralentiza dos fotogramas por segundo, el video original
dura 109 minutos es decir que con esta técnica alargo todo el video a 24 horas
con la condición anteriormente mencionada. Utiliza factores como la luz, el
brillo, la repetición, y lo más importante el tiempo y la memoria que es lo que
lo caracteriza en el uso de sus técnicas de video metraje (Douglas Gordon,
2014,p1).
Discurso ¿Qué quería decir en la obra?:
Lo que Douglas buscaba es que se pueda dar una mayor presentación en
la atención a detalles más importantes
de la película y por último que la película al ser configurada con ese
formato de aumentar el tiempo de 109 minutos a 24 horas 2 fotogramas por
segundo es para generar la desesperación en la persona que está observando
debido a la lentitud de la película (Douglas Gordon, 2014,p1,p2).
Análisis personal:
En este caso el artista
utilizo un medio tecnológico a diferencia de los dos artistas anteriormente
mencionados que usaban elementos como pintura, arcilla y sus cuerpos, Douglas
usa sus conocimientos en el uso de cámara y como poder manejar el tiempo de los
videos que los realizo aumentando o alargando el tiempo produciendo
sentimientos de ansiedad y desesperación en los espectadores. Es un artista que
innova en este género porque mediante el uso de videos él puede generar esas
emociones que es justamente lo que busca el arte que las persona capten sus
mensajes por el medio en el que el busca comunicarse por eso es lo que lo hace
único en la manipulación de este medio. Otras obras que también tienen buscan
concientizar al ser humano de que lo hacemos en nuestro planeta está mal es
bueno que use sus conocimientos y su arte para que asimilemos estas ideas de
que vamos por mal camino, claro está que muestra mucho interés en el cuidado
del plante y los que habitamos en él.
Anexos:
1.- 18 HAPPENINGS EN 6 PARTES
2. NOTHING FOR TODAY:
3.- DESNUDOS DE MUJERES EN MEXICO:
1.- ALIEN:
2.- TRANSIT:
3. BENDITO:
1.- REINO DE PUTAS:
2.- TRANSFIGURACIONES:
24 HOUR PSYCHO:
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