Reseña bibliográfica: Pintor y grabador alemán. Fue una figura muy importante en el renacimiento europeo. Se formó en la escuela latina y recibió sus conocimientos de pintura y grabado de su padre Michael Wolgemut. Después de terminar sus estudios viajo a diversas ciudades de Alemania y Venecia, donde recibiría influencia de Mantegna y Giovanni Bllini. Después de contraer matrimonio abrió un taller en donde se dedicaría al grabado más que a la pintura. Tenía tanta fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I.se caracterizaba por su riqueza en las texturas al igual que la variedad. Se había dedicado mucho al estudio de la proporción y de la figura humana, conocimiento que más tarde le ayudaría a la creación de su obra culminante la ultima cena (Anónimo, 2014).

Adán y Eva

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra actualmente en el Museo del Prado, Madrid España.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): adán y Eva están pintados sobre un fondo oscuro, pero ambos están pintados en tablas independientes sobre un terreno irregular lleno de piedras, Adán está cubierto por una rama, sostiene una manzana , su cuerpo esta ladeado, su rostro es joven y sus facciones están proporcionadas, también expresa emoción. Los cuerpos siguen un canon de nueve cabezas de altura, en lugar del canon tradicional de ocho cabezas. El color de la piel de Eva es más claro que el de Adán. El rostro de Eva es claro, y aún desprende inocencia. La técnica que se utilizo es de óleo sobre madera del estilo renacentista (wikipedia, wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): Representa la creación del hombre por dios. La serpiente el diablo y los rostros mirando al cielo largos con expresividad de inocencia.

Análisis crítico personal: Es una obra muy interesante ya que se ve la técnica y composición que utilizo para época siluetas largas, ojos mirando al cielo y expresividad, además de que utiliza un fondo oscuro para representar a los dos, claro para diferenciar lo que es humano de una deidad.

GRUNEWALD MATIAS

Reseña bibliográfica: Pintor alemán nació en Wurzburg en 1480 y muere en Halle en el año de 1952. En el año de 1510 fue pintor de la corte de Urial von Gemmingen y también dirigió la reconstrucción del castillo de Aschaffenburg. Se aloja en la ciudad de Maguncia pero se ve obligado a abandonarla debido a que se sospechaba que el tenia lazos con el movimiento campesino y con los luteranos. Representa al cristiano de manera sentimental y lleno de expresividad.

La primera pintura que realizo se llama Cristo escarnecido, en donde manifiesta el contacto de su pintura con la de Hans Holbein conocido como el Viejo. Sus crucifixiones, en Basilea y Washington, son todo un arrebatado manifiesto sobre los profundos fundamentos de una fe que cree en un Dios hecho hombre, que sufre los dolores de la tortura y los espasmos de la muerte, como un hombre más. Su cuerpo no refleja la perfección de las proporciones sino la angustia suplicante y la deformidad agónica (Carvajal, 2012).

Escarnio De Cristo

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Alte Pinakothek, Múnich, Alemania.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la técnica que utilizo es pintura al temple y óleo sobre tabla con técnica del renacimiento. Para la pintura al temple se utilizaba en disolvente o pigmento en el agua y un aglutinante para darle cuerpo ya sea de huevo o de otro material orgánico. Se pueden ver varias expresiones, tristeza, ira y tranquilidad. Las figuras se encuentran bien distribuidas. El cuerpo de cristo es un poco más alargado a diferencia de los demás verdugos, esta Cristo sentad atado de manos con los ojos vendados, se puede ver la brutalidad con la que golpean a cristo. Todo está representado sobre un fondo negro los rostros de los verdugos expresan salvajismo y mucha maldad (Wikipedia, Wikipedia, 2013).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la forma en la que Cristo fue torturado por sus verdugos de forma muy violenta además de que también hubo personas que mostraban total indiferencia a pesar de que hubieran estado en el momento de la tortura supuestamente. La forma en la los humanos tratamos a Cristo con nuestra maldad e indiferencia.

Análisis crítico personal: este cuadro está lleno de expresividad y fusiona el lado humano con el Cristo que debería ser representado como hijo de dios. Se puede ver claramente el uso de temperas en los detalles que conforman los rostros de los verdugos además de que sintetiza un estilo casi de caricatura.

CRANACH LUCAS

Reseña bibliográfica: Pintor y grabador alemán, nacido en Kronach en 1472 muere en Weimar en 1553, fue hijo del pintor Hans hasta el año de 1486 su padre lo instruye. Viaja hasta Viena donde pinta sus primeras obras conocidas como el retrato de su esposa de 1502, de esta forma se harían conocer en la pintura alemana.

Desarrolla el paisaje como un elemento con vida propia en la Crucifixión de 1503 y el Descanso de la huida a Egipto de 1504 se pude constatar del uso de este elemento de paisaje. Pinta temas profanos muy bien realizados, especialmente desnudos que resaltan sobre un fondo oscuro, como Venus y Cupido, cuya inquietante gracia sensual aparece de nuevo en numerosas Evas. Desde 1507 funda su propio taller, y trabaja al servicio de las nuevas ideas reformadoras; así, realiza numerosos retratos de su amigo Lutero, y de los diferentes príncipes protestantes, al igual que pintura sacra que expresa los nuevos planteamientos de la Reforma (Carvajal, Biografías y autoes, 2012).

Venus Y Cupido (Lot)

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Museo Metropolitano, Nueva York.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): contra el telón de fondo de una cortina roja que cuelga de un árbol con una hiedra, Venus está desnuda sobre una tela junto a cupido. Lleva un peinado típico de las novias de la época. Venus no muestra vergüenza por su denudes y la mirada está dirigida al espectador la técnica que utilizo es de óleo sobre lienzo, es de aceite sobre una lona. Posee un estilo renacentista (Wikipedia, Wikipedia, 2014).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la obra está compuesta de muchos elementos que tienen algunos significados pero en si la obra representa la fertilidad y el amor de la pareja de manera erótica. Los elementos que la conforman son los siguientes la hiedra que simboliza la unión, las perlas simboliza la pureza, cuando cupido orina en la parte intima de Venus la fertilidad de manera erótica. Todos estos elementos son los claros elementos que conforman la relación entre pareja.

Análisis crítico personal: que no se representa nada religioso esta vez es mitología greco romana además de que utiliza una técnica de óleo sobre una superficie diferente ya no es madera ni mural sino sobre una lona y la forma en la que la pintura duro es muy interesante ya que se puede ver la claridad y la proporción que tienen los cuerpos.

BALDUNG GRIEN

Reseña bibliográfica: apodado Grien nació en Alemania en el año de 1484. Fue un pintor alemán del renacimiento se dedicaba a trabajos de ilustración, grabador y diseñador de vidrieras, fue un discípulo de Durero. Sus padre era un abogado el origen de su apodo Greg se cree que Durero lo puso porque vestía mucho ropa de color verde, una muestra de la confianza que le tenía Durero era que le había encargado el taller mientras él viajaba a Venecia. En 1510 Baldung sacó a la luz su primera estampa sobre brujería con el que daría origen a creaciones resaltando el erotismo la inquietud la y con todo esto la representación de la Muerte se hará frecuente en sus pinturas y grabados.

Las Edades y la Muerte

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Museo del Prado.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es realizado mediante la técnica de óleo sobre tabla y el fondo que esta tiene es amarillo en si casi toda la obra, la forma en la que están distribuidas las figuras humanas una tras otra sobre un fondo triste y oscuro. La proporción con la que están hechas esa forma voluminosa y brillo a la vez que sus siluetas son alargadas (Anónimo, Arte y cultura en español, 2010).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): al igual que muchas obras tiene varios elementos que tienen significados pero todos nos llevan a uno solo y principal que es el paso del tiempo para nosotros las personas, la lechuza que representa la visión del futuro, las diferentes fases de la vida desde la niñez hasta la muerte que sujeta a la anciana llevando un reloj de arena.

Análisis crítico personal: que esta obra nos hace apreciar que el paso del hombre en la tierra es efímera, las etapas que tenemos que pasar antes de que la muerte nos lleve, la forma en la que se inspira en lo oscuro en lo que por naturaleza el hombre siente miedo y misterio escogiendo como tema la muerte. No se inspira en nada greco romano ni religioso es su propio estilo se podría decir que es como el gótico por la temática que tiene.

HOLBEIN HANS

Reseña bibliográfica: Nace en 1497 Alemania y muere en el año 1543 en Inglaterra. Fue un artista ye impresor famoso alemán en la época del renacimiento nórdico europeo. Produjo arte religiosa y sátira, hizo una gran contribución al diseño del libro. Diseño vidrieras y también joyas. Su padre fue el famoso pintor Hans Holvein apodado el viejo para poder diferenciarlo a este lo apodan el joven. Trabajo como artista joven pintando murales, obras religiosas, vidrieras y libros impresos. Posea un estilo gotico tardío.

Según el historiador del arte Paul Ganz, el retrato de Amerbach marca un adelanto en su estilo, notablemente en el uso de colores puros. También hizo el doble retrato de Jakob y Dorothea Meyer, un retablo de la Virgen que incluía retratos del donante, su esposa y su hija .Asumió un número de grandes proyectos, como los muros exteriores de La casa de la danza y la nueva sala municipal de Basilea. Los primeros se conocen por los dibujos preparatorios. Los murales de la cámara del concejo sobreviven en unos pequeños fragmentos mal conservados. Holbein también produjo una serie de pinturas religiosas y diseñó cartones para vidrieras (wikipedia, 2012)

El cuerpo de Cristo muerto en la tumba

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Basilea.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la técnica que utiliza es la de óleo sobre tabla, tiene los siguientes elementos la cabeza doblegada hacia delante, estigmas en las manos y pies y la posición de las extremidades, trata de conmover al espectador, la rigidez que tiene la mano parecería una mano real pero su rostro no muestra rigidez alguna. La anatomía es casi perfecta al igual que la proporción, se dice que utilizo como modelo a un muerto ahogado en el rio Rin. La forma en la que combina los tonos claros y oscuros para darle ese efecto tétrico en el sepulcro.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la representación de la muerte de Cristo como hombre. Un Cristo abandonado sin su padre, es tan fuerte esta representación que intenta persuadir a los observadores, hacerlos dudar de su fe. El dolor y sufrimiento que tuvo que pasar antes de morir (Arias, 2005).

Análisis crítico personal: la forma en que utiliza el factor psicológico en su obras, la manera en la que representa al hijo de dios totalmente en nuestro plano humano, la forma en la que Cristo se ve muerto sin esperanzas totalmente realista que hace dudar si en verdad existió dios y si existió porque permitió que su hijo pase por eso. Un cristo talmente humanizado y agonizante en su rostro muerto.

PIETER BRUEGHEL

Reseña bibliográfica: Nace en Bruselas, 1569 fue un pintor holandés, hasta la actualidad es considerado una de las grandes figuras de la historia de la pintura. Realizó sobre todo cuadros de paisaje, de género y de escenas campesinas, en los que con un estilo inspirado en el Bosco reflejó la vida cotidiana con realismo, abundancia de detalles y un gran talento narrativo.

Pieter Brueghel aprendió el oficio con Pieter Coeke. En 1551 se incorporó al gremio de pintores de Amberes e inmediatamente después emprendió un viaje por Europa, que lo llevó a Francia, Italia y Suiza. Lo que más le impresionó de su periplo fueron los paisajes de los Alpes, de los que realizó a su vuelta una serie de dibujos que fueron grabados (Anónimo, 2004).

Cazadores En La Nieve

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: esta obra se encuentra actualmente en el museo de arte de Viena.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): el estilo es de renacimiento la técnica que utiliza es oleo en madera, sus dimensiones son 1,17m x 1,62m es una pintura grande. Se observa u terreno tosco y a su alrededor grupos de cazadores y animales, utiliza sombras chinescas para los árboles. Se trazó una diagonal esta diagonal es el camino que siguen los cazadores para ir a la ciudad (wikipedia, wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa el invierno y las actividades que se realizan en esa estación como o la cacería. También representa uno de los grandes logros que vendría con la pintura en el género barroco.

Análisis crítico personal: es una obra interesante y de proporciones un poco más grandes a las anteriores del estilo gótico se ve un cambio notable en el estilo del renacimiento y el gótico. Se representa el clima y ya no la religión.

BRUNELLESCHI FILIPPO

Reseña bibliográfica: Nace en Florencia en el año 1377 y muere en Florencia en el año 1445. Fue un Arquitecto y escultor de origen italiano, el más famoso del siglo XV .Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. Participa en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia pero quedo en segundo lugar después de Ghiberti, se dice que este fracaso fue el que lo motivo a dedicarse exclusivamente a la arquitectura.

Su conocimiento en matemática y su entusiasmo por esta ciencia le iban a ayudar mucho para lo que vendría ya que esto lo llevo al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. Su fama estuvo asociada a la cúpula de la catedral de Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada (wikipedia, wikipedia, 2015) .

Cúpula de la Catedral de Florencia

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Catedral de Florencia o Santa María de las Flores.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es de estilo gótico, el crucero estaba sin bóveda. Posee un casquete alargado, la superposición de dos bóvedas octogonales una dentro de otra. La distancia de la cúpulas una de otra. Esta echa de mármol con óculos circulares.

Análisis crítico personal: la forma que utilizaba las cúpulas y la manera en las que las sobreponía era una forma de distribuir el peso así quedaba más suave ligero o quería dar esa sensación de seguridad en semejantes construcción.

LEON BATTISTA ALBERTI

Reseña bibliográfica: Alberti nació en Génova en el año de 1404 muere en el año de 1472. Era hijo de una familia pobre de comerciantes y florentinos, desterrados de la ciudad toscana en 1401 por motivos políticos, Alberti mostraba mucho interés en la literatura desde muy joven, por lo que se trasladó a la Universidad de Bolonia, donde empezó a estudiar derecho así como también: música, pintura, escultura, ciencias físicas y matemáticas y la filosofía.

En Bolonia escribió una comedia autobiográfica en latín. También en latín compuso diálogos, los Intercœnales, que algunos atribuyeron a Luciano de Samosata a causa de su circulación anónima y su carácter satírico, y en 1428, una obra titulada Deifira, en la que explicaba el modo de escapar de un amor que se hubiera iniciado con mal pie, inspirados con toda probabilidad en vivencias personales (Wikipedia, 2015).

Santa Maria Novella

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Florencia Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): los elementos que tiene esta iglesia son los siguientes en la fachada está recubierta de mármol blanco y verde, los portales son de estilo gótico. Posee una mezcla de estilos góticos con renacentistas en la parte de la ornamentación. Posee una nave central y arcos de medio punto, al interior de la iglesia se puede observar la cruz latina dividida en tres naves.

Análisis crítico personal: esta iglesia tiene un gran valor cultural y físico incalculable ya que en su interior también alberga muchos frescos de la época, el estilo gótico pesado que posee es interesante porque se ve rustica y fúnebre elementos que quería demostrar el arquitecto que la construyó.

DONATO BRAMANTE

Reseña bibliográfica: nació en el año de 1444, Italia y muere en el año 1514, Italia.

Fue un arquitecto y pintor italiano. Fue el mayor arquitecto del Renacimiento italiano entre los siglos XV y XVI.

Aprendió el arte de la creación de espacios armoniosos y la proporción de los maestros de Brunelleschi y Alberti .Inspiro al uso de la perspectiva por lo que algunas de sus obras tienen efectos de profundidad y espacio.

Un ejemplo emblemático de ello es el templete de San Pietro in Montorio, en Roma, una pequeña construcción circular en el centro de un patio rectangular, proyectada para ser el centro de un recinto porticado que debía acentuar sus efectos escenográficos.

Se formó probablemente en Urbino, y en 1477 está documentada su presencia en Bérgamo, trabajando en la decoración al fresco del palacio del Podestà. En 1480 se estableció en Milán, donde desplegó una gran actividad como pintor y arquitecto que puede sintetizarse en el impactante Cristo a la columna y, sobre todo en la construcción de Santa Maria presso San Satiro, donde dotó al coro, de pocos centímetros, de una gran sensación de profundidad.En 1499, tras la caída de Ludovico el Moro, se trasladó a Roma, donde trabajó principalmente al servicio del papa Julio II. En 1503 proyectó el patio del Belvedere y en 1506 se hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro. Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal como Bramante había previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimió una nueva orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento. Intervino también en la sistematización de algunos barrios de Roma, ofreciendo con su palacio Caprini un nuevo prototipo de residencia urbana (Anónimo, Biografías y vidas, 2004).

Palazzo Caprini

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Florencia Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): El edificio se caracteriza por una fachada en dos niveles (registro) y cinco bahías, tratado con una planta baja almohadillada poderoso tan alta base del orden dórico; la planta superior era en realidad marcada por columnas coronadas por un entablamento completo (arquitrabe y friso decorado con triglifos y metopas). El edificio constaba de una planta baja destinada a tiendas y un altillo incluido en el sótano almohadillada, un primer piso ocupado por un gran iluminado por ventanas a dos aguas con balaustrada, colocados en los tramos de la orden y un ático de servicio cuyas ventanas abiertas en el friso dórico del entablamento.

De las técnicas antiguas Bramante recupera la técnica e realización de imitación rustica estuco o más bien por el chorro de mortero en el encofrado de madera dándole la consistencia visual de piedra almohadillada pero probablemente también la buena piedra de las columnas individuales.

Esta técnica tendrá un éxito rápido en roma y su uso continuara hasta el siglo XX

Análisis crítico personal: la forma en la que se combinaba la arquitectura con algo de escultura ya que posea detalles de almohadillas en piedra además de su arquitectura pesada.

ANDREA PALLADIO

Reseña bibliográfica: Nace en el año 1508Maser, Italia y muere en el año 1580. Fue un Arquitecto italiano, uno de los mayores arquitectos del renacimiento italiano. Fue hijo de un molinero y se formó como picapedrero, ejerció esta profesión en su juventud. Viaja muchas veces a roma para estudiar la arquitectura viva de las construcciones, esto hace que se formara su estilo de estilo clasicista y al mismo tiempo innovaba con respecto a lo que se hacía por entonces.

En 1549, el Concejo de la ciudad de Vicenza le encargó la reconstrucción de las logias del palacio de la Ragione, conocido como la Basílica. Palladio optó por revestir las antiguas estructuras con una envoltura clasicista, y el éxito de la obra fue tal que desde aquel momento se convirtió en el arquitecto preferido de la aristocracia de Vicenza, ciudad en la que construyó importantes palacios. Estilo clasista significa un estilo donde marca mucho el aspecto de las clases sociales. Entre las décadas de 1550 y 1570 se sitúa el aspecto más conocido y admirado de su producción: las villas de los alrededores de Vicenza (de La Rotonda a La Malcontenta), en las que aplicó por primera vez el esquema del templo clásico a un edificio civil. Casi todas ellas presentan un bloque central, la zona residencial, a la cual precede una o varias fachadas a base de pórtico y columnas, y flanquean las alas bajas, que son los edificios agrícolas (Romero, 2011).

Villa Foscari

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Italia a orillas del canal Breta.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): Su principal caracterización es el pedestal voluminoso y el sótano subterráneo que posee. También es conocida como el mal querido posee una tradición constructiva además de una arquitectura antigua.

Urge como un bloque aislado y sin anejos agrícolas en las márgenes de la Laguna véneta, a lo largo del río Brenta. Más que como una villa-factoría se configura entonces como una residencia «suburbana», a la que se podía llegar rápidamente en barca desde el centro de Venecia. Al ser la familia comitente una de las más poderosas de la ciudad, la residencia tiene un carácter majestuoso, casi real, distinguido de todas las otras villas palladianas, a lo que contribuye la espléndida decoración interna (Wikipedia, Wikipedia, 2015).

Análisis crítico personal: la construcción esta edificado con un gran estilo del arquitecto Palladio aprovecha las condiciones físicas del lugar para situar escalinatas y fachadas para que se puedan observar con mucha nitidez. Además el gran interés que muestran las personas por conservar el lugar ya que es considerado como patrimonio cultural de la humanidad ojala se siga conservando en tiempos venideros.

MASACCIO

Reseña bibliográfica: nació en Castel San Giovanni el 21 de diciembre de 1401, fue hijo de un notario, su familia eran de ebanistas, es decir se dedicaban a trabajar en artesanías por eso el origen de su apellido Cassai. Masaccio se trasladó a Florencia influenciado quizás por la muerte de su padrastro. Una vez en Florencia empezaría su carrera en el taller de Bicci Lorenzo y también se uniría al gremio de pintores. Lo que más llama la atención es que haya muerto a la edad de 27 años se rumora de fue envenenado.

Su primera obra documentada, el tríptico de San Juvenal (1422), es una creación que supera plenamente el gótico. En el posterior políptico para el Carmine de Pisa (1426), la composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen su estilo característico, que se despliega plenamente en su obra maestra: el ciclo de frescos sobre la vida de San Pedro y la expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia, en colaboración con Masolino (Anónimo, Biografías y vidas, 2015).

Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Florencia, Italia en la iglesia de Santa María del Carmine.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado mediante la técnica del fresco con estilo del renacimiento, posee una imagen muy viva y natural al igual que la energía con la que se expresa. En esta obra se observa que Adán está gritando igual que Eva muestra dolor y ambos se cubren el rostro con sus brazos. También utiliza tonos claros oscuros en los cuerpos para darle cierta tristeza y sombras a los cuerpos (Wikipedia, Wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la manera en la que dios da por terminada su relación con el hombre, la representación del primer pecado de la humanidad.

Análisis crítico personal: la manera en que representa la escena de la expulsión es como hacernos sentir lo pudieron llegar a sentir ese momento Adán y Eva al ser sacados del paraíso. Utiliza la tristeza y el dolor como sentimientos principales para poder plasmarlos lo que hace que el observador sienta tristeza por lo acontecido.

PAOLO UCELLO

Reseña bibliográfica: Nace en Italia en el año de 1397 y muere en el año 1475. Fue un pintor italiano apodado Uccello debido a su interés por pintar pájaros, hijo de Dono Di Paolo barbero y cirujano de Pratovecchio, cerca de Arezzo. En 1412 se cree que fue en el taller de Ghiberti en donde debió formarse. También fue matemático y uno de los pioneros en la perspectiva visual.

En 1432, de nuevo en Florencia, Paolo Uccello realizó el luneto de la Creación en el Claustro Verde de Santa Maria Novella, una obra llena de expresividad pero todavía algo tosca. Paolo trabajó en la tradición gótica tardía, y enfatizaba el color y el boato más que el realismo clásico que otros artistas estaban promoviendo. Su estilo se describe mejor como idiosincrásico, y no dejó ninguna escuela de seguidores. Tuvo cierta influencia en el arte del siglo XX.

San Jorge y el dragón

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Museo Jacquemart-André, París Francia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado con una técnica de temple sobre madera con estilo de renacimiento. Es una imagen que narra, los personajes son elegantes y muestran la delicadeza con la que fueron elaborados. En el cuadro se ve el uso de la perspectiva que es lo primordial en esta escena demás del escorzo también posee iluminación de estilo gótico.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa una narración de la lucha ficticia de un caballero y un dragón.

Análisis crítico personal: que hayan existido narraciones en miniatura con tanto detalle y bien elaborado en manera de narración de un cuento de hadas. La técnica de prospectiva siempre ha sido una de las herramientas más revolucionarias en esta época ya que todas las obras de arte están hechas a base de una.

FRA ANGELICO

Reseña bibliográfica: Nace en el año de 1395 y muere en Roma en el año de 1455. Fue un pintor italiano. Le interesaba el arte que denote expresión y el buen uso del espacio influenciado por estilo florecíanos en especial en el manejos de solidos o volúmenes. Usaba una gran variedad de colores denotaba elegancia en sus dibujos y también delicadeza.

La pintura del beato Angélico sorprende tanto por su calidad técnica como por la profunda devoción religiosa que inspira. Como escribiera Giorgio Vasari, «habiendo sido excelente pintor y miniaturista y óptimo religioso, merece por ambas razones que de él se haga honradísima memoria». Guido o Guidolino di Pietro fue conocido como Fra Giovanni di Fiésole, nombre que adoptó al tomar el hábito de Santo Domingo; sin embargo, se le conoce más popularmente como Fra Angélico o el beato Angélico por su religiosidad y la serena espiritualidad de sus obras, pese a que la iglesia nunca le concedió el título. Casi nada se sabe de su formación pictórica, aunque en su estilo se aprecia una transición entre elementos temáticos de tipo trecentista o gótico (fondos dorados, alargamiento de las figuras, gusto por el trazado de líneas curvas en los ropajes) y aspectos innovadores más característicos del arte del Quattrocento: sentido del volumen, intentos de profundización en perspectiva y, sobre todo, luminosidad de la atmósfera, elemento este último de poderosa presencia en la obra del maestro. Es probable que su iniciación artística se realizara de la mano del monje camaldulense Lorenzo Mónaco (Anónimo, Biógrafias y vidas, 2012).

La Anunciación

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Museo del Prado, Madrid, España.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado con la técnica a de oro y temple sobre tabla pertenece al estilo del quattrocento. La obra está compuesta de la siguiente manera en un pórtico de mármol esta la viren sentada recibiendo a un ángel flotando, la descripción física del ángel y de María son de tez blanca, rubios de manos fina y alargadas. En el estilo de las construcciones que se desarrolla la obra se pude apreciar la arquitectura el uso de arco de medio punto y las aristas de las bóvedas de color celeste. La luz y el color son de estilos renacentista, algunos detalles como los filos de las vestiduras de los ángeles o el rayo que ilumina amaría son elaborados de oro (Wikipedia, Wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): como dice el titulo la anunciación es decir cuando un ángel se l presento amaría diciéndole que sería la que traería al mundo en forma humana al hijo de dios.

Análisis crítico personal: utiliza elementos suntuarios en el cuadro como el oro, además de que usa elementos como el arco para poder representar las columnas del pórtico en el cual se encuentra la virgen María. También se puede apreciar el físico de los personajes del cuadro como marcando un carácter racial, como si ser blanco o rubio fuera la apariencia más cercana a lo divino.

SANDRO BOTICELLI

Reseña bibliográfica: Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino. Era el menor de cuatro hijos su padre era curtidor. Cuando nació Sandro su hermano mayor Giovanni tenía 25 años y se cree que lo adoptó y lo educó. Giovanni tenía el apodo de Botticelli, sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el que tenía este mote. De él deriva el apodo de «Botticelli».

No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio2 (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibe Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, Filippino Lippi.

El nacimiento de Venus

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi, Florencia, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): este cuadro está elaborado mediante la técnica de temple sobre lienzo de estilo renacentista.

La figura blanquecina se acompaña de Céfiro dios del viento alado la diosa de la brisa Aura que se encuentran abrazados. En la zona terrestre encontramos a las diosas de las estaciones en el cual se representa a la diosa primavera que lleva su manto decorado con motivos florales. De esta manera, el artista toma como referencia la antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas (Anónimo, Arte y cultura en español, 2012).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): el nacimiento de la diosa Venus al cortar cronos los genitales del dios Urano dio origen al nacimiento de la diosa venus. También representa en si algo de los desnudos con romanos que son menos exhibicionistas.

Análisis crítico personal: que abstrae elementos de la mitología romana para poder plasmarlos utilizando su técnica , la forma en la que dibuja a la diosa venus desnuda sin mostrar todo da un toque de erotismo y delicadeza, apreciar el cuerpo de una mujer dejarnos mucho a la imaginación.

ANDREA MANTEGNA

Reseña bibliográfica: uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, vino al mundo en 1431 en una pequeña localidad del Véneto entre Vicenza y Padua. De orígenes humildes, muy pronto quedaría huérfano, siendo criado por su hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano a cuyo taller se incorporaría Andrea cuando tan sólo contaba con 10 años.

De la mano de Squarcione, el joven Mantegna iniciaría su formación clásica gracias a la influencia de su maestro dentro de los círculos humanistas de Padua, uno de los centros ilustrados más importantes del Renacimiento del norte de Italia. Además de visitar Venecia, tendría la oportunidad de conocer de primera mano la obra de Donatello, Filippo Lippi y Paolo Uccello.Con sólo 17 años y de una manera no del todo amistosa, rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo entonces sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación, lo que le serviría, en uno de sus viajes a Venecia, para unirse en matrimonio con una hija del reconocido pintor Giovanni Bellini (Tomé, 2012).

Cristo muerto

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en Pinacoteca de Brera, Milán, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado mediante la técnica de tempera sobre tela de estilo renacentista, utilizo perspectiva circular para dar esa forma al momento de verla frontalmente, la manera en la que representa los genitales de Cristo en el centro geométrico del cuadro. Retrato más el aspecto físico que el emocional.

Está rodeado por la Virgen María, San Juan Evangelista y por una tercera figura, identificable con una mujer piadosa o con María Magdalena, que lloran su muerte. La desproporción de sus rostros, excesivamente grandes, con lo pequeño de sus manos en primer plano y lo descompensado de su integración en la composición hacen pensar en que son un añadido posterior de otro artista (Wikipedia, Wikipedia, 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la representación de la muerte de Cristo totalmente humanizado. La forma en que dibuja el cuerpo es perfecto la simetría, las laceraciones y la expresión de muerte y la familia y amigos que acontecen la tragedia.

Análisis crítico personal: Representa a un Cristo de una forma casi real, natural. Aparte de que ya hayan existido otras obras con la misma temática este cristo refleja la anatomía humana más compleja y en perspectiva.

LEONARDO DA VINCI

Reseña bibliográfica:

Nació el sábado 15 de abril. Leonardo fue descendiente de una rica familia de nobles italianos, fue hijo ilegítimo su padre fue un notario, canciller y embajador de la República de Florencia Piero Fruosino di Antonio que había dejado embarazada a Caterina una joven de familia campesina muy humilde. Su abuela paterna, Lucia di ser Piero di Zoso una ceramista cercana a Leonardo fue la que lo inicio en el mundo del arte.

Leonardo recibió instrucción en Vinci en donde aprendió a leer, escribir y aritmética, sin embargo no aprendió latín, también poseía una ortografía muy mala ya que en su educación también tuvo lagunas mentales, cuando Leonardo tenía tan solo cinco años su madre se había casado con un campesino de la localidad, con el que tuvo cinco hijos, y su padre se había casado con una joven de alta sociedad pero ella tenía solo dieciséis años, al no tener hijos dio mucho afecto a Leonardo pero murió joven por complicaciones en el parto .Aunque era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre, Leonardo nunca fue reconocido formalmente como un hijo legítimo. Su padre se casó hasta cuatro veces, dándole diez hermanos y dos hermanas menores legítimas. De estas relaciones, el pequeño Leonardo tuvo un muy buen vínculo con la última mujer de su padre, Lucrezia Guglielmo Cortigiani, afecto que se evidencia en una nota en donde se dirige a ella como “querida y dulce madre” (Anónimo, Biografías y vidas, 2014).

La Gioconda

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre, París, Francia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado mediante la técnica de óleo sobre tabla de álamo, del estilo del renacimiento. En sus manos y sus ojos puede verse un ejemplo característico del esfumado y del juego que el pintor hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. Al igual que su sonrisa la forma en la que utilizó los colores para dar esa sombra no se sabe si está sonriendo o si hace un gesto de amargura.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): no se sabe lo que trata de representar son muchos los misterios y las hipótesis que se mantienen una de ellas es que fue una modelo que vivía cerca de Leonardo otros dicen que fue amor al igual que un embarazo nada es cierto y esto es justamente lo que hace aún más misteriosa esta obra de arte.

Análisis crítico personal: es una obra llena de misterio inclusive hay una película inspirada en el cuadro. Espero que con el avance de la ciencia y el estudio del pasado se pueda llagar a descubrir que es lo que trato de representar Leonardo y porque.

MIGUEL ÁNGEL

Reseña bibliográfica: nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana, fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simoni y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió cuando Miguel Ángel contaba con seis años. La familia Buonarroti Simoni vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años muchos de ellos habían ocupado cargos públicos, habían empezado los problemas económicos y su familia en el intento de mantener la posición social vivian en trabajos de administraciones como el de corregidor de Caprese. Regresaron a Florencia, donde Miguel Ángel quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

Miguel Ángel quería ser artista pero tuvo fuerte discusiones con su padre ya que no era una carrera reconocida pero debido a su firme decisión y su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: “Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras”

Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor, Leonardo, se hizo monje dominico en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia (wikipedia, wikipedia, 2015).

La creación de Adán

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: fue elaborado en la Capilla Sixtina, Roma, Ciudad del Vaticano.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): es una pintura elaborada mediante la técnica del fresco con estilo del renacimiento. La pintura fue echa claramente con conocimientos de anatomía ya que el diseño muscular y anatómico son perfectos en proporción. Se puede ver que dios está representado como un hombre corpulento con barba blanca al igual Adán con corpulencia desnuda y separada de dios pero por poquísima distancia. Los colores y la iluminación que tiene, para dar mayor realismo y naturalidad.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la manera en que dios da la chispa de la vida a Adán a su creación. Dios creo al hombre a su forma y semejanza por eso esta anatómicamente perfectamente elaborado.

Análisis crítico personal: a pesar de que es un desnudo elaborado en una iglesia católica sigue perdurando debido a la genialidad y talento de Miguel Ángel, la forma en la que están hechos los músculos, las manos los trazos son perfectos e inspiradores. El tema religioso que escogió para representar es otro acierto ya que la religión basa su fe en esta forma de ver el origen de la vida del hombre.

RAFAEL ZANCIONO

Reseña bibliográfica: nació el 6 de abril de 1483 y fallece en Roma el 7 de abril de 1520, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento así como también se había dedicado al estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Forma el trío de los grandes maestros del período del renacimiento Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

Hijo de un modesto pintor, había sido considerado un niño prodigio .Se encargó de la decoración de las Estancias Vaticanas en donde pintó algunos frescos, también había sido su primer trabajo oficial con tan solo 25 años de edad. Estuvo en contante competencia con Miguel Ángel su eterno rival. Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci, Rafael llevó una vida de "nómada", trabajando en distintos lugares del norte de Italia, pero pasando una buena parte de su tiempo en Florencia.

A finales de 1508 se trasladó a Roma, donde entró al servicio del papa Julio II por recomendación de su arquitecto Donato Bramante quien ya trabajaba en la basílica de San Pedro era natural ya que tenía alguna relación con Rafael. A diferencia de Miguel Ángel, que no realizó trabajo artístico alguno durante cierto tiempo en Roma antes de recibir los primeros encargos, el joven artista recibió rápidamente el encargo de decorar al fresco la que habría de ser la biblioteca privada del pontífice en el Vaticano. Era un proyecto mucho más importante y extenso que cualquiera en el que hubiera trabajado hasta ese momento, pues hasta la fecha no había pasado de hacer algún retablo en Florencia. En su equipo había otros artistas trabajando en diferentes estancias, muchos de ellos pintando sobre obras encargadas por el odiado predecesor de Julio II, el papa español Alejandro VI. El nuevo pontífice había decidido borrar cualquier vestigio del papa Borgia, hasta sus escudos de armas. Uno de ellos fue Miguel Ángel, que recibió el encargo de pintar la cúpula de la Capilla Sixtina (wikipedia, wikipedia, 2015).

La misa de Bolsena

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: está elaborado en el Vaticano, Roma.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado mediante la técnica del fresco con estilo renacentista. En el cuadro se ve en lado izquierda dando misa e impartiendo la ostia en alto, enfrente se puede ver la representación del Papa Julio II arrodillado y rezando frente a un altar, la vestimenta que lleva es la de un soldado o guerrero, en la parte posterior están las representaciones de los suizos que es su escolta lucen atuendos muy vistoso y sus expresiones denotan vida. Al igual que otros artistas usa la iluminación, formas humanas un poco alargadas y delgadas y todos los personajes son de tés blanca.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): narra un milagro acontecido en cual durante una misa al momento de consagrar la hostia de esta emana sangre. Así que trata de representar la fe en los milagros.

Análisis crítico personal: a pesar de que fue joven y talentoso murió muy prematuro, la rivalidad que tuvo con otro grande lo motivaba hacer mejor sus obras de arte, le dieron la oportunidad de plasmar su arte en el lugar más importante de la época en el vaticano cosa que perdura para siempre hasta la fecha se sigue conservando.

TIZIANO

Reseña bibliográfica: nació en 1476 Italia. Tiziano procedía de una familia de alta clase social Cadore: era el cuarto hijo de Gregorio Vecelli, un distinguido concejal y militar, y de su esposa Lucia. No existían antecedentes familiares en el campo del arte. Sin embargo, a la edad de 10 años, Tiziano y su hermano mayor, Francesco, acudieron a Venecia para ingresar como aprendices en el taller de Sebastiano Zuccato, un famoso mosaiquista. Entró en el estudio del venerable pintor Giovanni Belliniy conformaría el grupo de jóvenes la primera generación de pintores de la Escuela veneciana: Giovanni Palma da Serinalta, Lorenzo Lotto, Sebastiano Luciani, y Giorgio da Castelfranco, conocido como Giorgione. Su hermano Francesco también gozó de cierta relevancia en Venecia como pintor.

La primera obra conocida de Tiziano, el pequeño Ecce Homo de la Escuela de San Roque, el fresco sobre Hércules en el palacio Morosini se considera como una de sus primeras creaciones. Otras obras tempranas son la Virgen con el Niño del palacio de Belvedere en Viena y la Visitación de María a Isabel (del convento de San Andrés), expuesta hoy en la Galería de la Academia de Venecia. Tiziano y Giorgione, en esta época, estuvieron asociados, de ahí la dificultad de distinguir sus primeras obras. La misma confusión de identificación se produce con más de algunas de sus Sacra conversaciones. Estos dos maestros fueron los líderes de la nueva escuela de "arte moderna" de pintura, que adquirió modos de ejecución más flexibles, libres de la simetría y el hieratismo que aún podemos observar en la obra de Giovanni Bellini (Wikipedia, Wikipedia, 2015).

La Asunción de la Virgen

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Basílica de Santa María dei Frari, Venecia, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborado mediante la técnica de óleo sobre tabla con estilo de marinerismo, es decir es un estilo en el que trata más la representación del cuerpo humano tanto vestido como desnudo dar solución a problemas como la representación de símbolos. Este cuadro tiene tonalidades influenciados por Miguel Ángel. La pintura está divida en tres capas en el centro está la virgen maría con los brazo alzados y la mirado al infinito, en la parte superior dios padre viendo la tierra y en inferior las personas tratando de alcanzar a la virgen, al igual que las tonalidades y el estilo de las ropas que llevan puestos(wikipedia, wikipedia , 2015).

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): cuando la virgen María se le concedió que pueda ascender al cielo con su cuerpo humano. Dios padre le da la bienvenida mientras se leja de este mundo mundano.

Análisis crítico personal: el estilo marinerismo es muy interesante ya que realza el volumen en la proporción humana y busca crear un estilo propio, la figura de María está representada como una divinidad ya que está en el centro geométrico del cuadro dios en la parte superior y lo menos importante en la inferior la jerarquía que utilozó es clara al igual que la representación divina.

TINTORETTO

Reseña bibliográfica: nació en Venecia en el año de 1518, era el mayor de 21 hermanos. El apodo de Tintoretto fue debido a que su padre, Giovanni era un tintorero. En su infancia Jacopo, un pintor innato, comenzó a pintarrajear sobre las paredes de la tintorería; su padre, dándose cuenta de esta inclinación, lo llevó al taller de Tiziano a ver si podía aprender a ser artista.

Alumno de Tiziano aunque no por mucho tiempo, se dice que aprendió de su maestro el arte del color y las sombras. Las relaciones entre Tiziano y Tintoretto fueron distantes a lo largo de su vida, siendo de hecho Tintoretto un admirador profeso y ardiente de la obra de Tiziano, pero nunca un amigo, es decir que tizano le traiciono y lo dejo solo pero a Tintoretto no le importo y continuó preparándose solo, a él le interesaba representar más las emociones que canones de belleza de la época. Se interesó por las corrientes manieristas toscanas, romanas y emilianas, difundidas en Venecia por artistas como Jacopo d'Antonio Sansovino, Francesco Salviati y Andrea Schiavone. Su gran modelo en el dibujo fue Miguel Ángel. Estudió especialmente los modelos de la Capilla funeraria de los Médicis (Florencia): la Aurora, el Día, el Crepúsculo y la Noche (Wikipedia, Wikipedia, 2012).

San Marcos liberando al esclavo

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: Galería de la Academia, Venecia, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): el cuadro está elaborado mediante la técnica de óleo sobre lienzo de estilo marinerismo. En el cuadro se puede ver que el escorzo del santo está más alto que el escorzo del esclavo. También se puede observar el escenario de carácter arquitectónico ya que al fondo se puede observar una puerta con arco de medio punto. Las tonalidades y colores que le da las ropas que visten los personajes en especial el color que usa la capa del santo un rojo en bajo tono con sombra. . Los colores que utiliza son de estilo veneciano al igual que la proporción similar a la de Miguel Ángel.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa el momento en el que un santo interine en la ejecución de un esclavo. Este esclavo iba a ser torturado rompiéndole todos los huesos por haber venerado la imagen de un santo

Análisis crítico personal: las figuras de las personas con igual voluminosas y resalta siluetas de los sombras en las ropas es interesante que en el marinerismo también se hagan representaciones de lo religioso.

DONATELLO

Reseña bibliográfica: nació en el año 1386 en Florencia, fue el hijo de un cardador de lana. Su padre era muy rebelde había participado en la revuelta de los Ciompi estaba organizado por los cardadores de lana, después de esta revuelta lo condenaron a muerte pero fue indultado. Fue una figura totalmente diferente a la de su hijo elegante, inteligente y noble.

Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar.Murió en Florencia en 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se encontraba Andrea della Robbia.El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el escultor Raffaello Romanelli. A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su casa que recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida. (Wikipedia, Wikipedia, 2015)

María Magdalena penitente

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra en el Museo dell’Opera del Duomo.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): escultura tallada en madera y policromada de estilo manierista barroca, la figura representa a María Magdalena de avanzada edad con ropa muy desgastada. Tiene muchos pliegues que permite la fusión de luz y sombra.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la forma en la María Magdalena está representada de mayor edad y en penitencia como señal de perdón a dios por haber llevado una vida pecaminosa.

Análisis crítico personal: la forma en la que nació el estilo marianista debido a que en esa época se enfrentaban a grandes cambios porque volvieron al pasado donde vieron en la naturaleza y el realismo que estaban hechas las esculturas griegas.

ANDREA VERROCCHIO

Reseña bibliográfica: nació en Florencia en el año 1435 en Venecia, fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Fue maestro de Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo florentino clásico en el periodo del primer renaciemiento.

Trabajó como recaudador de impuestos y también fabricaba tejas y azulejos., nunca se casó, y tuvo que proporcionar apoyo financiero a algunos miembros de su familia. La fama de Michele creció al unirse a la corte de los Médici, en la que permaneció hasta que su taller se trasladó a Venecia. Se inspiró en sus obras para los temas a tratar más que en cuanto a las tendencias estilísticas, y con un orfebre, del que heredó el gusto artesanal aplicado al tratamiento de sus obras escultóricas. Trabajó en Prato junto a Filippo Lippi (Wikipedia, Wikipedia, 2015).

Estatua ecuestre del condottiero Colleon

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra en Venecia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): ecuestres toscana, tuvo que estudiar la anatomía de un caballo a profundidad por lo que se manifiesta en su obra, en la que se ven a la perfección todo el entramado de músculos y de venas del animal. Esta un personaje sobre un caballo montado, el caballo y el jinete tiene sus rostro girados como clavando su mirado ala personas que lo ven desde los lados, cuando se gira 360 grados alrededor de la figura continuamente se aprecia su silueta. La posición de las patas es majestuosa y muy voluminosas las tres patas traseras se hacen de puntos de apoyo y proporciona la musculatura del cuello con la de la cola para poder equilibrarla.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la representación de condottiero Colleon sobre un majestuoso caballo resalta la masculinidad y el poder de este personaje.

Análisis crítico personal: que para poder realizar una obra de este tipo no basta con saber las técnicas de dibujo sino también conocer la anatomía o la arquitectura de lo que se va a realizar conocer desde el interior para poder plasmar el exterior.

LUCA DELLA ROBBIN

Reseña bibliográfica: nació en el año 1399 en Florencia precedía de una familia de artistas florentinos, su familia se dedicaba a los tintes, pero desde muy joven mostró su gusto por la escultura y su padre lo colocó de aprendiz en el taller del orfebre Leonardo donde aprendió las artes menores y adquiere su gusto por los lacados. Empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua.

Un tiempo trabajó con su hermano Marco que muere quedándose a cargo del taller y de sus cinco sobrinos. Entonces decidió abrir un taller familiar destacando su sobrino Andrea, que será quien se hará cargo del taller y colaborará estrechamente con su tío.

Se sabe poco de sus primeras obras, la primera que nos consta es la más conocida, la Cantoría de la Catedral de Florencia, realizada cuando ya superaba los 30 años. Esta obra le coloca a la altura de artistas contemporáneos como Ghiberti y Donatello, pero será más conocido por la realización de Madonnas en terracota blanca sobre fondos pintados en azul. Los marcos se decoran con guirnaldas de flores, vegetales o frutas (ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA DEL QUATTROCENTOA, 2011).

Molduras del Campanile de la Catedral de Florencia

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: en la Catedral de Florencia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): está elaborada de mármol, trato de seguir el modelo gótico se puede apreciar a los maestros de la aritmética Pitágoras y Euclides dialogando, utilizo alto relieve para tallar sobre el mármol.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la forma en la que dos filósofos debaten un tema.

Análisis crítico personal: esta artista estuvo influenciado por otros maestros entre ellos Donatello además del estilo gótico lo que le llevo a mezclar y plasmarla en sus trabajos.

GIOVANNI BELLINI

Reseña bibliográfica: nació en Venecia en el año 1433, creció en casa de su padre, en cuyo taller iniciaría su oficio ya que precedía de una familia de pintores su padre fue dibujante. Su hermano Gentile fue un importante retratista que colaboró con él en la decoración del palacio ducal e incluso viajó a Constantinopla a retratar a su sultán

Hasta la edad de casi treinta años sus pinturas estaban inspiradas en el sentimiento religioso, elaboradas mediante la técnica del temple. Su evolución artística se caracterizó por un continuo renovarse debido a las diversas experiencias artísticas que su permeable personalidad fue asimilando en el curso de una vida bastante dilatada, en la que se mantuvo permanentemente activo (Anónimo, Biografías y vidas, 2012).

Piedad

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra actualmente en el museo de la Academia de Venecia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): el cuadro está elaborado mediante la técnica de óleo sobre tabla de estilo renacentista italiano, se puede observar a la virgen María que carga a su hijo muerto cristo su rostro de profunda tristeza y el rostro de cristo girado para que también se pueda apreciar el cuerpo con las laceraciones de la muerte que había tenido la marca de los clavos, la corona de espinas y la lanza al costado derecho, la tonalidad es oscuro y sobresale más colores de baja tonalidad. De fondo está la ciudad Vicencia.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): el sentimiento maternal al ver su hijo muerto, la dulzura de madre que muestra a pesar de la difícil circunstancia en la que se encuentra.

Análisis crítico personal: la iluminación es el elemento principal en este cuadro ya que denota tristeza y ternura. Se puede ver el estilo que poseía este artista y la forma en la aprovecha los espacios para representar una escena y un paisaje.

GIORGIONE

Reseña bibliográfica: nació en el año 1478 Venecia, hijo de una familia de clase alta, fue un pintor italiano del Alto Renacimiento, representante destacado de la escuela veneciana, cuya carrera quedó interrumpida por su temprana muerte, con poco más de 30 años.

Junto con Tiziano inician la escuela veneciana dentro de la pintura renacentista, que logra gran parte de su efecto mediante el color y el ambiente, tradicionalmente opuesta a la preferencia por el dibujo de la pintura florentina.

La edad en la que llegó a Venecia también es desconocida, pero las evidencias estilísticas apoyan la tesis de Ridolfi de que fue admitido a la edad de 10 años como aprendiz en el taller de Giovanni Bellini, que era por entonces el pintor más famoso de la ciudad.En su estilo se advierten, además de las influencias de su maestro, las de Antonello da Messina, quien había introducido la técnica de la pintura al óleo en Venecia; de Leonardo da Vinci, del que tomó el sfumato; e incluso en la actualidad se piensa que recibió alguna indicación de Vittore Carpaccio en sus momentos iniciales (wikipedia, wikipedia, 2015).

La tempestad de Giorgione

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: actualmente se encuentra en la Galería de la academia en Venecia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la técnica que utilizo es la de óleo sobre lienzo de estilo renacentista. El cuadro expresa una poesía pictórica. En primero plano consta una mujer dando de lactar a un bebe y a la vez contrasta con la escena del rayo en la parte de atrás. Los efectos cromáticos el uso de paisajes como marcos.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): la obra hasta la actualidad encierra muchos misterios ya que se especulan varios significados entre ellos que el pintor trata de expresar una metáfora sobre lo poderosa que es la naturaleza todos los elementos del cuadro no tienen sentido lógico entre sí.

Análisis crítico personal: el cuadro tiene algunos significados pero no se puede concretar uno verdadero, además este cuadro marcaría el inicio de la pintura para la modernidad.

ANTONIO ALLEGRI DA CORREGGIO

Reseña bibliográfica: nace en el año 1489, fue un pintor italiano del renacimiento, considerado como pionero del uso de la luz.

Estuvo en Roma entre 1517 y 1520, época en la que adquirió un clasicismo naturalista al contacto con Rafael y Miguel Ángel. Su gran admiración por el primero ha hecho que se le atribuya la frase (seguramente apócrifa) de Anch'io sono pittore! (¡También yo soy pintor!)De gran sensibilidad y delicadeza, pinta a niños, adolescentes y figuras femeninas suaves y de blanda sensualidad. Comienza como un renacentista clásico, posteriormente recibe la influencia manierista y acaba, por su dinamismo y profundidad espacial, anticipando el barroco. En su madurez, su estilo es noble y equilibrado, con sombras transparentes y diseño fluido (wikipedia, wikipedia, 2015).

La Asunción de la Virgen

Análisis contextual ¿Dónde se realizó?: se encuentra en la catedral de Parma, Italia.

Análisis compositivo (técnica, composición, estética): la técnica que se utilizo es la de pintura sobre fresco de estilo manierismo. En el cuadro se puede observar el uso de la perspectiva, el uso de proporciones para poderlo equilibrar además del realismo en la que pareciera que intentan salir hacia el espectador. Se puede observar a Cristo descendiendo con una corona para dársela a su madre María y alrededor de María gira un torbellino ascendiéndola.

Análisis comunicacional (¿Qué quiere decir con la obra?): representa el momento de la asunción de la virgen en cuerpo y alma de la madre de Jesús

Análisis crítico personal: la pintura representa una escena muy especial para los católicos, al artista lo hace con tanto realismo que cumple con el objetivo de mantener la fe en las personas y que al final de todo solo dios será el que nos juzge. El uso de proporciones y contrastes para denotar aún más esta escena. Las influencias que recibió de Melozzo.

Bibliografía

Anónimo. (3 de Marzo de 2004). Biografías y vidas. Obtenido de Biografías y vidas: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bramante.htm

Anónimo. (5 de Junio de 2010). Arte y cultura en español. Obtenido de Arte y cultura en español: http://www.artehistoria.com/v2/obras/6.htm

Anónimo. (12 de Abril de 2012). Arte y cultura en español. Obtenido de Arte y cultura en español: http://www.artehistoria.com/v2/obras/4614.htm

Anónimo. (20 de Abril de 2012). Biografías y vidas. Obtenido de Biografías y vidas: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bellini_giovanni.htm

Anónimo. (14 de Julio de 2012). Biógrafias y vidas. Obtenido de Biógrafias y vidas: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/angelico.htm

Anónimo. (18 de Enero de 2014). Biografías y vidas. Obtenido de Biografías y vidas: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo/

Anónimo. (Enero de 11 de 2014). Biografías y Vidas. Obtenido de Biografías y Vidas: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/durero.htm

Anónimo. (20 de Enero de 2015). Biografías y vidas. Obtenido de Biografías y vidas: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/masaccio.htm

Arias, E. T. (12 de Octubre de 2005). Historia del Arte . Obtenido de Historia del Arte : http://www.homines.com/arte/hans_holbein_el_joven/

Carvajal, E. A. (11 de Marzo de 2012). Biografías y autoes. Obtenido de Biografías y autoes: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=cranach-lucas-el-viejo

Carvajal, E. A. (25 de Abril de 2012). LA WEB DE LA BIÓGRAFIAS. Obtenido de LA WEB DE LA BIÓGRAFIAS: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=grunewald-mathias1

ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA DEL QUATTROCENTOA. (11 de Noviembre de 2011). Obtenido de ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA DEL QUATTROCENTO: LUCA DELLA ROBBIA: http://arteinternacional.blogspot.com/2011/11/escultura-del-quatrocento-luca-della.html

Romero, N. (2 de Marzo de 2011). Biografías y vidas. Obtenido de Biografías y vidas: http://www.biografiasyvidas.com/reproducir.htm

Tomé, J. M. (15 de Abril de 2012). Arte España. Obtenido de Arte España: http://www.arteespana.com/andreamantegna.htm

wikipedia. (12 de Noviembre de 2012). wikipedia. Obtenido de wikipedia : https://es.wikipedia.org/wiki/Hans_Holbein_el_Joven

Wikipedia. (15 de Febrero de 2012). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Tintoretto

Wikipedia. (13 de Marzo de 2013). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Escarnio_de_Cristo_(Gr%C3%BCnewald)

Wikipedia. (Septiembre de 14 de 2014). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://it.wikipedia.org/wiki/Venere_e_Cupido_(Lotto)

wikipedia. (12 de Enero de 2015). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Filippo_Brunelleschi

wikipedia. (12 de Abril de 2015). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Ad%C3%A1n_y_Eva_(Durero)

wikipedia. (16 de Ocubre de 2015). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel

wikipedia. (17 de Octubre de 2015). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio

wikipedia. (15 de Abril de 2015). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Giorgione

wikipedia. (12 de Agosto de 2015). wikipedia. Obtenido de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Allegri_da_Correggio

Wikipedia. (14 de Octubre de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti

Wikipedia. (22 de Julio de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Villa_Foscari

Wikipedia. (12 de Agosto de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Expulsi%C3%B3n_de_Ad%C3%A1n_y_Eva_del_Para%C3%ADso_terrenal

Wikipedia. (14 de Octubre de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/La_Anunciaci%C3%B3n_(Fra_Angelico,_Madrid)

Wikipedia. (21 de Agosto de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Lamentaci%C3%B3n_sobre_Cristo_muerto_(Mantegna)

Wikipedia. (11 de Septiembre de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Tiziano

Wikipedia. (1 de Noviembre de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Donatello

Wikipedia. (18 de Octubre de 2015). Wikipedia. Obtenido de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Verrocchio

wikipedia. (15 de Marzo de 2015). wikipedia . Obtenido de wikipedia : https://es.wikipedia.org/wiki/La_Asunci%C3%B3n_de_la_Virgen_(Tiziano)

miércoles, 4 de noviembre de 2015

No hay comentarios:

Publicar un comentario